Конкурс детского творчества "Наше лето". Сроки проведения с 3 июня по 3 сентября 2021 года.
Статьи
НАЧИНАЮЩЕМУ АКВАРЕЛИСТУ  увеличить изображение
НАЧИНАЮЩЕМУ АКВАРЕЛИСТУ

Дорогая редакция! Рисовать я начала поздно. Но, думаю, если человек очень старается, то обязательно добьётся цели. Рисую всё, что близко моему сердцу: родных, ребятишек, окружающую природу. Хочется передать их красоту. Мечтаю написать картину о родном селе. Пишу акварелью, но получается далеко не всё. Дайте мне, пожалуйста, совет. Что надо знать, чтобы работы удавались?

Кулсаада Айтова, 15 лет, колхоз имени В. Чкалова Таласского района Киргизской ССР

 

Чаще всего начинающий художник прибегает к живописи акварельными красками, ошибочно полагая, что акварель — самая несложная и, главное, нетребовательная техника. Так возникают грязные по цвету, загруженные многочисленными исправлениями работы.

Между тем акварель не только одна из самых гибких, но и сложных техник, в которой сочетаются лёгкость и нежность с густой насыщенностью, обобщение — с крайней детализацией. Чтобы работы удавались, надо знать секреты акварели.

 

Уже на подготовительном этапе, на стадии эскиза, художник старается учитывать, какие из приёмов акварельной техники более всего отвечают смысловой и композиционной задачам. Однако какой бы выбор вы ни сделали, всегда помните: ценится акварель, выполненная легко, без видимого усилия, с цветом сочным, но позволяющим видеть фактуру бумаги (отсюда выражение «бумага дышит»), не забитая лишними мазками, ясно построенная тонально.

 

Акварель, как никакая другая техника, зависит от характера исходных материалов: красок, бумаги, кистей. Мягкая беличья кисть и жёсткая проклеенная бумага дадут иной результат, нежели кисть жёсткая колонковая или щетинная, а бумага рыхлая. И всё-таки есть общие для всех законы живописи акварелью. Они найдены художниками в бесконечных поисках полнее и выразительнее раскрыть богатейшие возможности этой техники.

 

Расскажем о некоторых из них.

 

Для односеансной работы с натуры — пейзаж, интерьер, натюрморт, набросок, которые хочется написать легко и непосредственно,— берут слабо проклеенную бумагу, не слишком толстую, с зернистой поверхностью.

При этом художник должен чётко знать, в каком цветовом ключе решать свой замысел. Для начала предпочтительна беличья кисть большого размера. Акварелист быстро пишет крупные плоскости так, чтобы цвет не ложился скучным, однородным пятном, и внимательно следит за еле уловимыми цветовыми изменениями. Не давая высохнуть уже положенным мазкам, кладет уточняющие цвета. Если поверхность листа высохла, исправления повредят качеству акварели, лишат её основного достоинства — чистоты. Но при неверно взятом небольшом по площади мазке можно исправить положение более точными, соседними с ним мазками.

 

Не забывайте, что общее цветовое впечатление от акварели создаётся преобладающим в ней цветом, а её красочное богатство — обилием дополнительных и контрастных цветов, в общей гамме не всегда заметных.

М. Волошин. Вечернее облако. Акварель. 1925 г.
М. Волошин. Вечернее облако. Акварель. 1925 г.

Яркий пример тому — акварель М. Волошина. Главенствующий в ней цвет голубовато-серый. Однако, если вглядеться внимательно, можно увидеть, по крайней мере, четыре краски, которые словно пробегают по всему произведению, то затухая, то разгораясь.

Присутствующие в освещённом облаке охра и кадмий красный в соединении с ультрамарином дают лёгкий сиреневатый оттенок, переходящий в цвет неба. Таким образом, тонально более светлое облако не вырывается из общего цветового строя неба, не «выпадает» из пейзажа, а, наоборот, оказывается погружённым в пространство. Так рождается определённый эмоциональный настрой всей работы.

Теперь обратите внимание, как художник изображает землю. Всё те же вариации охры и ультрамарина с их производными — спокойным зелёным и умброй. Единство и разнообразие всех предметов достигнуто ненавязчивым использованием цвета. Голубой цвет неба и моря переходит в лёгкие тени на освещённой земле и в цвет песчаных дорожек на первом плане. Розовато-коричневый из первого теневого плана повторяется в пятнышках редкой растительности, слегка касается моря и мягко подрумянивает небо и облако.

 

Вот мы и подошли к очень важной составляющей в мире гармонии акварели: месту и значению большого локального и маленького цветового пятна, колористической и тональной общности изображаемого. Ничто не должно быть по цвету или тону настолько чужеродным, чтобы нарушать единство и целостность общего впечатления гармонии.

 

Посмотрим теперь на противоположную волошинской по настроению и цветовому ключу работу Е. Спрингиса «Томаты и рыба». Приглядевшись внимательно, можно проследить одни и те же закономерности: цвет, осваивающий поверхность акварельного этюда, тон, который держит в определённом напряжении всю работу.

Но есть и различия, прежде всего в технике исполнения. В то время как Волошин писал по сухой бумаге, в натюрморте Е. Спрингиса использована техника письма по влажной бумаге.

Е. Спрингис. Томаты и рыба. Акварель. 1965 г.
Е. Спрингис. Томаты и рыба. Акварель. 1965 г.

Бумагу намачивают и во время работы стараются держать в горизонтальном положении. Иногда, чтобы замедлить её высыхание, снизу подкладывают мокрую ткань.

Естественно, работа пишется очень быстро. Краска кладётся густо, не стекает вниз. Такой метод чаще всего используется, когда хотят получить эффект яркой, контрастной или густой и тёмной поверхности. Не стремятся обыграть детали и фактуру предметов — это было бы невыполнимо. Также невозможно дописывание акварели после её высыхания. Эти два способа никогда не соединяются гармонично. Следовательно, писать надо уверенно, точно, наверняка.

 

Во время продолжительной работы акварелью — детальный портрет, сложный проработанный натюрморт и композиция — действуют другие закономерности.

В этом случае бумага должна быть «долготерпеливой», достаточно проклеенной, то есть жёсткой и позволяющей смывать неудачные мазки. Лучше всего наклеенный на планшет или доску ватман или полуватман. Подготовительный период тут будет дольше, так как ошибки в оригинале ухудшают качество работы. Чётко продуманный эскиз — и в тоне и в цвете, а не только в сюжете,— исключит в последующей работе неприятные случайности. Затем надо целенаправленно думать о тоновом решении композиции, об объёме предметов, о фактуре.

А. Фонвизин. Портрет артистки Л. Ф. Орданской в пьесе А. Островского «Бешеные деньги». Акварель. 1948 г.
А. Фонвизин. Портрет артистки Л. Ф. Орданской в пьесе А. Островского «Бешеные деньги». Акварель. 1948 г.

Множество проблем рождает медленный процесс работы акварелью. Рисунок слегка намечен карандашом, лучше без применения ластика. Работу также желательно вести от общего к частному, но мазки кладут неторопливо, осторожно и точно, по форме предмета. Каждый мазок после предварительной проверки определяют на нужное место так, чтобы сразу он давал нужный тон. Кисть то ставится вертикально, то ложится на поверхность плашмя. Этим достигают передачи нужной фактуры предмета, усиливая его объём продуманной направленностью мазка.

 

Утемнять работу последующими многочисленными наслоениями краски вредно. Исправлять цвет или тон можно только соседним уточняющим мазком. Неудавшееся место осторожно смывают губкой, высушивают, затем переписывают заново.

Работая над формой предметов, всегда помните, что они находятся в воздушном пространстве, связаны переливами света. Не увлекайтесь чёткими контурами — они «сушат» акварель.

 

Фактура предметов передаётся разными путями. Пушистый мех зверька, мягкую, рыхлую ткань, бархатистость лучше писать, увлажняя границу между предметами и фоном, то есть по-сырому, давая цвету предмета проникать в цвет фона и наоборот.

Предметы более сложного рисунка — изломанные, изрытые — передаются лёгкими вертикальными прикосновениями кончика кисти.

Текучие, плавные формы пишутся кистью, лежащей горизонтально.

 

Однако форма мазка никогда не должна служить для начинающего художника самоцелью, а лишь средством к достижению замысла. Красивые, но бесполезные мазки нарушают форму предмета, мешают выявлению композиционного замысла.

В. Серов «Портрет Сергея Сергеевича Боткина» Бумага, акварель. 43,6 x 35,3 см. 1900 г. Государственный Русский музей, Санкт-Петербург
В. Серов «Портрет Сергея Сергеевича Боткина» Бумага, акварель. 43,6 x 35,3 см. 1900 г. Государственный Русский музей, Санкт-Петербург

Взгляните на акварельный портрет работы В. Серова и жанровую сценку М. Фортуни. Обратите внимание на неравноценное отношение художников к изображению главного и второстепенного. В легко намеченном портрете Боткина тщательная проработка рук и костюма помешала бы живости, непосредственности поворота головы, потерялось бы ощущение движения, цельности образа.

При всей своей проработанности и кажущейся многослойности в акварели Фортуни также нет лишних деталей, отвлекающих от основной идеи. Ведь самое важное — концентрация внимания на главном. Цветовой или световой центр необходим в каждой работе — во избежание тоскливой однородности. Но и подчинение ему не должно быть чересчур навязчивым.

М. Фортуни. Страж у дверей палаццо. Акварель.
М. Фортуни. Страж у дверей палаццо. Акварель.

Хочу закончить свои краткие заметки о работе акварелью высказыванием великого французского пейзажиста Камиля Коро: «Добиваясь добросовестного воспроизведения, я не теряю ни на одну минуту эмоции, которая меня охватила... То, что мы чувствуем,— весьма реально. При рассмотрении той или иной местности, того или иного предмета мы взволнованы проявлением изысканной прелести. Не отделывайтесь от этого впечатления и, добиваясь верности и точности передачи, не забывайте никогда придать ей ту оболочку, которая вас поразила. Если мы действительно растроганы, искренность вашей эмоции передается другим».

 

Е. ФЛЁРОВА, художник, лауреат премии Московского комсомола

 

На аватаре: В.Ф. Токарев. Сбор картофеля. Бумага, акварель; 14х25,5 см; 1951год