ХУДОЖНИКУ-ЛЮБИТЕЛЮ. ЗНАНИЕ И ЖИВОЙ ОПЫТ
Художник-любитель написал нам в своем письме: «Я прочитал довольно много книг и статей по истории и теории живописи, о том, как рисовать и писать, а вот пробовал сам работать — получается неважно. Пробовал копировать с репродукций крупных мастеров — помогает мало. Что же мне делать?»
Подобные вопросы задаются часто. Обычно тот или иной самодеятельный художник, подробно перечислив учебные пособия по перспективе, анатомии и технологии живописи, с тревогой спрашивает: всё ли я прочёл, чтобы стать художником, или, может, быть, какие-то (а вдруг, самые необходимые?) книги остались в стороне и именно поэтому дело не идет на лад?
Очевидно, многие любители полагают, что сначала нужно начитаться как следует специальной литературы по изобразительному искусству, а уже потом приступить, наконец, к самостоятельной работе. Такое представление и неверно, и наивно.
Разумеется, польза от чтения книг бесспорна. И тот, кто хочет научиться глубоко понимать изобразительное искусство, самостоятельно рисовать, лепить и писать красками, должен стремиться к знаниям, стараться быть человеком культурным. Но достаточно ли знаний по истории искусства, технологии и другим дисциплинам, чтобы стать художником?
Нет, недостаточно.
Все, что можно усвоить из книг, газет, журналов и лекций, из рассматривания картин и репродукций,— всё это лишь подсобный материал, помогающий осознать содержание и смысл собственной работы в искусстве. Главное же, для тех, кто хочет создавать свои, пусть скромные, произведения, — это постоянная, сосредоточенная, целеустремленная практическая работа. Она требует немало усилий и времени, но зато приносит зримые плоды — позволяет овладеть основами рисунка и живописи.
Неопытные, малоискушенные в искусстве люди считают, что существует ряд совершенно определённых, раз и навсегда установленных правил и законов, следуя которым можно создавать художественные произведения, а художник — по их мнению — это и есть человек, хорошо умеющий пользоваться этими законами и правилами.
Конечно, в искусстве существует ряд определенных положений и закономерностей, которые обусловлены объективными свойствами натуры и особенностями нашего зрительного восприятия. Например, мы в состоянии определить действительную форму предмета и вместе с тем те перспективные видоизменения, которые улавливает наш глаз при рассматривании его в пространстве. Именно на этом основаны принципы перспективного изображения предметов на плоскости. Но достаточно ли этих знаний и даже умения построить любую перспективную схему, чтобы создать художественное произведение?
Посмотрите на пейзаж В. Мешкова, репродукция которого помещена в этом номере журнала. Он выполнен мастерски, с большим профессиональным знанием законов линейной и воздушной перспективы. Но это ли останавливает ваше внимание и волнует вас при рассматривании картины? Нет. Художник раскрыл величественный образ Урала, древнего, могучего и прекрасного, его бескрайний простор, безбрежную ширь. Неслучайно пейзаж называется «Сказом об Урале». Образ природы, созданный живописцем, близок произведениям древнего народного эпоса. Картина пронизана мерным, спокойным ритмом, могучим дыханием сурового горного края.
![В. Мешков. Сказ об Урале. Холст, масло. 1949 г. ГТГ.](https://artistasrusos.ru/images/uploaded/628-af25c1a692e6aeef323a3ee859535722.jpg) В. Мешков. Сказ об Урале. Холст, масло. 1949 г. ГТГ. |
Сравните «Сказ об Урале» с небольшим пейзажем Николая Соколова, воспроизведённым здесь же. «Неаполитанская улочка», как и картина В. Мешкова, являет пример безупречного перспективного построения. Но мы забываем об этом, так как для художника главным было другое — передача правды жизни, её биение и трепет. Здесь, на улице, сжатой двумя рядами высоких домов, в тесном полутёмном ущелье, живут бедняки солнечного Неаполя. С большой теплотой и поэтичностью рассказывает нам художник о виденном.
![Соколов Николай Александрович. Неаполитанская улица. Холст, масло. 70х44. 1964. Иркутский областной художественный музей имени В.П.Сукачева.](https://artistasrusos.ru/images/uploaded/999-3fad6797b259ab190a8ce648e317e492.jpg) Соколов Николай Александрович. Неаполитанская улица. Холст, масло. 70х44. 1964. Иркутский областной художественный музей имени В.П.Сукачева. |
Разумеется, знание элементарных законов перспективы становится необходимым почти сразу после начала занятий рисунком и живописью. Но нужно уже с первых шагов понять, что знания эти — лишь вспомогательное средство для выражения замысла и видения автора, для создания художественного образа. По мере накопления практического опыта у художника развивается «чувство перспективы». Рисуя, он не делает сложные перспективные построения всех изображаемых предметов и их деталей, потому что хорошо чувствует и легко передаёт в рисунке верные направления форм, их сокращения и видоизменения.
Для серьёзных занятий искусством необходимо изучение ряда общих закономерностей и умение применять их в работе. В процессе обучения все начинающие художники непременно знакомятся не только с перспективой, но и с пластической анатомией, цветоведением, техникой живописи и технологией живописных материалов. Развитие практического умения обычно сопровождается то и дело возникающей потребностью в дополнительных знаниях.
Но начинать с теоретического изучения этих предметов не следует. К ним лучше обращаться по мере надобности, когда в практической работе по рисунку и живописи будет возникать необходимость пополнения тех или иных сведений.
Среди начинающих художников, недостаточно ясно представляющих себе процесс творческой работы, широко распространено мнение, будто нельзя начинать наброски, рисунок головы и фигуры человека без основательного изучения анатомии, которое якобы само по себе уже обеспечивает правильное изображение человека и даже возможность создания портрета. Многие думают, что твёрдое знание законов цветоведения и изучение явлений воздушной перспективы обеспечивают хорошую живопись.
На самом же деле эти дисциплины служат лишь для того, чтобы художник лучше понял объективные свойства натуры, грамотно относился к процессу и технике работы. Если бы вспомогательные знания играли решающую роль в развитии художника, в приобретении мастерства живописи и рисунка, тогда любой математик, прекрасно понимающий научные основы перспективы, мог бы нарисовать натюрморт, интерьер или пейзаж лучше художника; любой врач, конечно, знающий анатомию гораздо подробнее и глубже художника, мог бы прекрасно рисовать людей, а физик, занимающийся оптикой и цветоведением, или химик, хорошо разбирающийся в технологии красок, написали бы живописный этюд гораздо «правильнее», чем любой живописец. Но всё дело в том, что только сама практика искусства позволяет создавать художественные произведения и правильно использовать теоретические дисциплины, понимая значение и место каждой из них в творческом процессе.
Приведем ещё один пример: взгляните на семейный портрет Якоба Иорданса. Мы видим жизнерадостные, спокойные лица трёх женщин — сестёр и матери художника. Они красивы и добры, их взгляды как бы излучают тепло и любовь. Не идеализируя и не приукрашивая, художник стремился наделить своих героинь самыми высокими человеческими достоинствами.
![Якоб Йорданс. Аллегорический семейный портрет. Начало 1650-х годов. Холст, масло. 178,4 × 152,3 см Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург](https://artistasrusos.ru/images/uploaded/546-3933aad540324d77c4e6ed7e02899557.jpg) Якоб Йорданс. Аллегорический семейный портрет. Начало 1650-х годов. Холст, масло. 178,4 × 152,3 см Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург |
Нужны ли были автору картины знания анатомии, спросите вы? Да, и, надо полагать, художник отлично знал её — иначе наклоны голов не были бы так естественны. Но не анатомия определила образный и эмоциональный строй картины. Знание её помогает нам понять строение и формы человеческого тела, их взаимодействие и связь, что позволяет рисовать более сознательно. Но постепенно, по мере приобретения опыта, у художника вырабатывается чувство пластики человеческого тела, верное ощущение конструкции и взаимосвязи форм, которое помогает и в том случае, если забыты названия костей и мышц.
Вы, вероятно, знаете, что Леонардо да Винчи был одним из первых художников и учёных, серьёзно занимавшихся анатомией. Но и он, придавая анатомическим знаниям большое значение, предупреждал: «О, живописец-анатомист, берегись, чтобы слишком большое знание костей, связок и мускулов не было для тебя причиною стать деревянным живописцем при желании показать на своих фигурах все их чувства».
Об этом писала и замечательный русский скульптор Анна Голубкина, обращаясь к своим ученикам: «Повторяю, из анатомии надо нам взять только устройство, оставляя в стороне всё остальное, и тогда в натуре вы увидите уже не анатомию, а собственную конструкцию фигуры. Когда мы учились, профессора говорили: выучите анатомию и забудьте её. Это значит — знайте анатомию так, чтобы она сказывалась только уверенностью и свободой в работе, анатомии же самой чтобы и в помине не было».
Техника рисунка и живописи, технология живописных материалов нужны нам потому, что они помогают в нашей «рабочей кухне», позволяют выбирать для каждого случая наилучший материал, вести работу так, чтобы она сохранилась надолго, а не начала портиться уже в процессе исполнения. Но эти знания ни в коей мере не могут заменить личный опыт. Нужно воспитать в себе внимание к материалу и технике работы, любовь к своему живописному «хозяйству», и это должно стать настолько привычным и естественным, чтобы не мешало думать о главном, не отвлекало внимания. Например, нужно научиться приготовлять холст или картон для масляной живописи так, чтобы во время работы грунт не мешал — не «тянул» слишком сильно.
Знание основ цветоведения полезно тем, что помогает понять явления, которые мы наблюдаем в натуре, обратить внимание на то, что при поверхностном взгляде останется незамеченным. Иногда, например, малоопытный живописец может не уловить верные отношения больших масс цвета (скажем, предмета к фону). Иной раз в таком затруднительном случае понимание основ цветоведения может подсказать, что нужно обратить внимание на поиски цветовых контрастов в каком-то определённом направлении (тёплые или холодные, насыщенные или сдержанные). Но даже блестящее знание цветоведения не может заменить развитого чувства цвета, умения видеть и передавать цветовые отношения. Только регулярная практическая работа в живописи развивает чувство гармонии и взаимодействия цветов.
Не следует думать, что все сведения, почерпнутые из чтения литературы по искусству, можно и нужно немедленно применять в своей творческой практике. К использованию прочитанного следует относиться вдумчиво.
В творческой работе лучше исходить из замыслов, рождённых непосредственным соприкосновением с жизнью, и действовать сообразно со своим пониманием, чувством и накопленным опытом.
Но часто из книг и методических статей можно почерпнуть ряд мыслей и фактов, имеющих прямое отношение к практике работы в рисунке, живописи и композиции на том или другом этапе творческого развития. При этом в одной и той же книге или статье для одного художника будут особенно полезны одни сведения, для другого — другие. Нужно научиться отбирать из прочитанного материала не только то, что может пригодиться в работе тотчас, но и то, что следует оставить «про запас», чтобы потом, когда придёт время, вернуться к этому вопросу, лучше его понять и попробовать решить на практике.
Р. МАТВЕЕВ
Журнал «Художник» № 12, 1964 г.